miércoles, 21 de noviembre de 2012

EXPOSICIONES

 Gauguin y el viaje a lo exótico

Del 09 de octubre de 2012 al 13 de enero de 2013, Museo Thyssen-Bornemisza. 

http://www.museothyssen.org/thyssen/exposiciones_actuales/89


Precoz Van Dyck


El joven Van Dyck, Museo del Prado.

http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/31811/Precoz_Van_Dyck




El Guggenheim exhibe el arte optimista de Katz y el pop de Warhol


http://www.rtve.es/noticias/20121119/guggenheim-exhibe-arte-optimista-katz-pop-warhol/575349.shtml




La corte errante de un segundón

Goya y el infante Don Luis. El exilio y el reino
Palacio Real. Patrocinada por la Fundación Banco Santander. Bailén s/n. Madrid. Hasta el 20 de enero.

http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/31770/La_corte_errante_de_un_segundon




El Museo del Prado expone su "nuevo" Tiziano


http://www.rtve.es/noticias/20121105/museo-del-prado-expone-nuevo-tiziano/572939.shtml


Dalí exhibe su "bulimia creativa" en una gran retrospectiva en París






domingo, 4 de noviembre de 2012

MUSEO GUGGENHEIM BILBAO

Este museo situado en la Avenida Abandoibarra es uno de los edificios más notorios de la villa. Con él, se inicio la total transformación y renovación, de la ciudad y  de esta zona destinada a la industria naval. 


Puente La Salve en construcción (1969)
Este singular edificio integra la ría de Bilbao con el Ensanche clásico de la ciudad. Rodeado por parques, paseos y plazas siendo evidente la superación de su pasado industrial. 

Tras diez años este singular espacio se ha consolidado como uno de los museos de arte contemporáneo más importantes a nivel internacional. Cuando este proyecto se inicio sorprendió no solo la ubicación de la arquitectura sino que también impacto la estructura ondulante de la misma. 

Fue a finales del S.XX cuando la fundación Solomon R. Guggenheim buscaba un nuevo emplazamiento para albergar su creciente colección. Finalmente se decidió realizar un museo en la ciudad de Bilbao, gracias al nuevo rumbo que tomo la villa que deseaba crear un importante enclave cultural. Tras un concurso, al que fueron invitados a participar otros arquitectos de la talla de Coop Himmelblau y Arata Isozaki, salió seleccionado el proyecto de Frank O. Gehry.


Fue un proceso largo y controvertido por las múltiples protestas por el cierre de Astilleros Euskalduna, que clausuro sus puertas cinco años después de que se iniciasen los planes para edificar el museo. Yo recuerdo como, al principio, no todo el mundo estaba a favor de los cambios tan drásticos que se estaban llevando a cabo, ya que, se tenían dudas sobre el futuro de la villa. Existía un recelo patente entre los ciudadanos sobre si realmente era posible pasar de ser un centro industrial a un enclave cultural y cosmopolita. Lo cierto es que era un cambio muy arriesgado pero que se ha materializado con muy buenos resultados, convirtiendo al  Museo Guggenheim de Bilbao en una parte muy importante de la red de museos de la fundación.  Además, este centro ha introducido a la ciudad y al País Vasco, dentro del circuito artístico mundial.




La verdad es que en un principio no se pensó en edificar bajo el colosal puente La Salve, sino que se consideró en reconvertir el antiguo almacén de vinos, la Alhóndiga. Pero este emplazamiento no convencía, sobre todo, a Thomas Krens, director de la fundación, quien visito el lugar. Con la intervención de Frank O. Ghery se cambió de concepto después de que éste encontrase los muelles a la vera del Nervión. Por si construir el museo a orillas de la ría no fuese suficiente, este nuevo emplazamiento dotaba al edificio de una ubicación perfecta, cerca del Museo Bellas Artes de Bilbao, la Ópera y de la Universidad.  



Gehry hizo varios dibujos en los que ya trazo algunos de los elementos del actual edificio, como el lucernario cenital en forma de flor o la galería inspirada en el casco de un barco. De sus proyectos iniciales se conserva la fluidez  y el movimiento continuo.  

En mi opinión, el diálogo con la ciudad, su convivencia, ha venido dado con el paso de los años, como si de un buen vino se tratase. En un principio el carácter de la urbe distaba mucho de ser nada remotamente parecido a la naturaleza del colosal edifico. Por ejemplo, pese a que los materiales que se han utilizado para su construcción si se usaban en la industria no se había aplicado jamás a una arquitectura, a un edificio de tales características. Las formas del museo, sinuosas, simulan a un barco pero no a todo el mundo gustó o entendía. Y sobre todo el arte que albergaba y alberga para muchos incomprensible. Este debate aún hoy día sigue abierto, llegando incluso al asalto de alguna de sus obras, muestra  clara de la crítica que estas generan. 



No obstante, obras como el metro de Norman Foster, la Torre Iberdorla de Cesar Pelli, el Palacio Euskalduna de Federico Soriano y Dolores Palacios, que se haya sobre los antiguos astilleros, la reforma de la Alhóndiga o Las Torres Isozaki  han ayudado a la lenta pero increíble transformación que hace que el museo encaje y fluya con gran dinamismo. 

Pero al margen esta magnifica obra de ingeniería el museo desde sus comienzos tiene como objetivo la formación de una colección propia. Creo que es una de las cosas sobre de las que pocas veces se habla, seguramente porque queda ensombrecida por el propio recinto. Actualmente esta colección cuenta con 91 obras de artistas internacionales y vascos. Se comenzó con la obra sin titulo de Rothko (1952-3) que se une a otros pintores del expresionismo abstracto como Willem Kooning, Robert Motherwell o Clyfford Still. Una de las últimas adquisiciones ha sido un a obra de Cy Towmbly Nueve discursos sobre Cómodo (1963), considerada como la obra culminante de los primeros años de su exilio autoimpuesto. Estos fondos también cuentan con obras de artistas españoles como Tapiés o Antonio Saura. 

Otros artistas de la talla de Robert Rauschenberg, Andy Waehol, James Rosenquist e Yves kelin son parte de esta variada colección. La gran diversidad de movimientos y artistas que conforman este fondo artístico le dotan de un carácter especial y hacen que aquellos que acuden al museo accedan a una magnifica representación del arte de nuestro tiempo. Creo que estas obras, muchas a pie de calle,  ofrecen la oportunidad de poder acercarnos al arte contemporáneo de una forma diferente, la verdad es que se trata de un etapa artística muy discutida y llena de controversia; Controversia dada, en mi opinión, por la falta de información y de cercanía con el público.  











Louise Bourgeois (Nacido en 1911, París)


Se expone en el exterior una de sus obras tituladas Mamá de 1999 fundido en 2001, Bronce, ácero inoxidable y mármol. Se trata de una escultura de grandes dimensiones situada en el paseo que te permite pasar por debajo de ella, haciendo que te sentientas muy pequeño e incluso algo asfixiado. Y es que sus obras desde principio están teñidas por experiencias autobiográficas llenas de resentimiento y nostalgia. En este caso homenajea a su madre y expone la duplicidad de la maternidad, que por un lado teje seda para sus capullos y por el otro la teje para cazar a sus presas. Sus patas atrapan y protegen sus huevos y a los viandantes que pasean. 

Jeff Koons (Nacido en 1955, York USA)


Esta obra al igual que la de Bourgeios se haya en el exterior del recinto. En este caso, nos da la bienvenida al museo y nos enseña una pequeña muestra de lo que encontraremos en su interior. Yo recuerdo como, en un principio, el mero hecho de pensar que en Bilbao, una ciudad tradicionalmente industrial donde el concepto del arte se centraba en lo que se podía visionar en el Museo Bellas artes, se podía colocar a pie de calle un gigantesco perro de flores era inimaginable, resultaba algo casi ridículo. Finalmente, al igual que ha ocurrido con la Torre Eiffel, se ha convertido junto con el museo en una seña de identidad para la ciudad. El propósito de este artista es comunicarse con el gran público para lo que se basa en el lenguaje visual de la publicidad, marketing y la industria del ocio. Con este enorme West Highland Terrier , además busca suscitar optimismo e infundir  "confianza y seguridad, como el mismo afirma. 


Esta misma idea la desea transmitir con otra obra que se encuentra en la "terraza" del museo, titulada Tulipanes. Se trata de un matojo de siete tulipanes de diferentes colores luminiscentes concebidos a modo de globos gigantes. Ambas piezas nos adentran en un mundo fantasioso dando muestra de la capacidad que tiene este artista para transformar los objetos más banales en un instrumento de crítica sobre la función del arte dentro de la cultura de consumo, mezclando ironía y sinceridad.


Anselm Kiefer (Nacido en Donaueschingen, Alemania en 1945)


De este artista nació unos meses antes de que finalizase la segunda guerra mundial por lo que creció viendo las consecuencias del mayor conflicto bélico que ha vivido la humanidad. Vivió en una nación dividida y controlada por las fuerzas aliadas. El objeto de estudio de Keifer se centraba en descubrir como se componen y desarrollan los diferentes elementos de la mitología, de la historia de Alemanía y su incidencia en el auge del fascismo. Se enfrento a estas cuestiones rompiendo las fronteras estéticas que existían y recuperando viejos iconos. Realiza obras de gran formato cargadas de referencias a la tradición del Romanticismo Alemán y al legado político de su país. Usa una paleta casi monocroma combinada con una técnica mixta, en la que incluye elementos como el plomo, paja, yeso semillas, ceniza o tierra. Tras la caída del muro de Berlín, en 1989, se instalo en el sur de Francia donde comenzó a explorar temas más universales. Aunque siguió centrándose en la religión, la política y la historia se centro más en captar la espiritualidad del ser humano y el funcionamiento de nuestra mente. En esta ocasión el museo adquirió "Las celebres órdenes de la noche" de 1997 y "Berenice" de 1989. Para mi la primera obra resulta muy impactante. En ella contrapone la inmensidad del universo frente a la condición humana y a su vez quizá haga referencia a capacidad infinita que tiene la mente humana pero también a su inherente limitación, subordinada a un cuerpo perecedero e imperfecto.




http://ftp2000.guggenheim-bilbao.es/exposicion.php?idArticulo=1045

http://www.guggenheim-bilbao.es/el-edificio/

Mark Rothko (1903-1970)


Se trata de uno de los principales representantes del expresionismo abstracto americano. Este movimiento se centra en expresar la personalidad del artista por medio de su obra. Fue Robert Coates quien acuño el término "expresionismo abstracto". Dentro de este grupo, del que también son parte otros pintores como Pollock o Franz Kline, se desarrollaron una serie de técnicas nuevas, como por ejemplo "action painting" o el "color field painting" del que Rothko hace uso en sus obras más famosas incluyendo esta obra sin título. Mediante franjas o campos de color aplicadas con veladuras nos expresa la universalidad de las aspiraciones humanas, un mensaje de tipo universal que dota a su pintura un carácter místico. El color ocupa toda la superficie en una especie de Horror vacui, lo inunda todo. Estuve pensando y creo que seria interesante comentar que no siempre fue un creador abstracto.La verdad es que tendemos a pensar que un pintor no sabe dibujar por centrar su arte en la abstracción pero no es así. En su primera etapa pinto escenas figurativas, por lo general escenas urbanas. Entre 1940 y 1945 tuvo una etapa surrealista en la que se influencia del arte de Matta, Ernst, Tanguy o Miró. Entonces plasmaba figuras biomórficas que poco a poco son menos reconocibles. Por lo que queda claro que hay una evolución en su producción y quería, me parece interesante,  que se conozcan estas etapas. 
http://www.guggenheim-bilbao.es/exposiciones/mark-rothko-paredes-de-luz/

Entrada de metro (1938)
Miquel Barcelo (1957)

El diluvio (Le Déluge), 1990
Técnica mixta sobre lienzo
230 x 285 cm
Guggenheim Bilbao Museoa
Artista español con una proyección internacional. Su trabajo se reparte entre París, Mallorca o Malí. Su característica principal se centra en reinterpretar temas tradicionales con aspectos autobiográficos en soportes de gran formato. Busca la innovación por medio de la experimentación y el estudio de formas, colores, luz o composición, entre otras cosas. Su estancia en Malí influye directamente en su obra dotándola de un sentido casi místico. Poco a poco en su evolución sus temas comenzaron a ser mas sencillos, centrándose en la vida la muerte y la luz. Son obras con una fuerte materica, sobre todo, en sus comienzos. Aunque no se aprecia son muy ricas en cuanto a las texturas que nos transmite sensación de movimiento, continuidad o caos. Los colores que usa no son vivos como podemos ver en alguna de las vanguardias. Siendo un poco crítica y pese a ser un artista importante no es de los que mas me puede atraer aún así y como en todo hay obras más interesantes que otras como El Diluvio. En este caso muestra el caos y la fuerza de la naturaleza colocando un telón sobre ella que nos esconde pero a la vez nos da una pista de lo que contemplamos. En contraposición el sol frente a los azules que inundan el lienzo. Una obra interesante como ya os dije pero es tan solo mi opinión como siempre hay que observar y juzgar cada uno de nosotros. 

Macho cabrío y cabra (Cabrit i cabrida), 1992
Técnica mixta sobre lienzo
297 x 246 cm
Guggenheim Bilbao Museoa
Donación de Bruno Bischofberger, Zúrich
http://www.guggenheim-bilbao.es/artistas/miquel-barcelo/

viernes, 2 de noviembre de 2012

EXPOSICIONES

En México se inaugura la exposición " La liturgia de las palabras""

En México, acaban de inaugurar la exposición "La liturgia de las palabras", del escultor burgalés Alberto Bañuelos. Una muestra única porque es la primera vez que el museo de Antropología de la capital mexicana abre sus puertas a un artista europeo. La piedra, el mármol o el granito sirven a Bañuelos para crear unas obras sorprenden por sus similitudes con las culturas mesoamericanas.

El genio desconocido de María Blanchard

Una ambiciosa retrospectiva recupera el talento y la sensibilidad de la artista cántabra, una de las grandes figuras de la vanguardia de comienzos del siglo XX. La muestra podrá verse en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, hasta el 25 de febrero de 2013.

http://www.descubrirelarte.es/2012/10/17/el-genio-desconocido-de-maria-blanchard.html


El Museo Cerralbo estrena "La Moda es Sueño"



  • La muestra recoge 25 años de talento español
  • Desde Balenciaga, a Maya Hansen pasando por Manuel Piña
  • Desde el 25 de octubre al 13 de enero


'El factor grotesco' reúne en Málaga más de 270 obras de 70 artistas


  • El Museo Picasso de la ciudad inaugura hoy esta exposición
  • Se muestran obras de 74 creadores realizadas durante en 500 años.

La Casa Encendida celebra sus 10 años con una gran muestra sobre Louise Bourgeois



  • La exposición muestra 62 obras de las cuales sólo dos se han visto en España
  • Esculturas, dibujos, grabados y paños bordados, resultado de sus "últimas batallas"
  • Además se proyectarán dos documentales sobre la vida de Bourgeois

Exposición Guggenheim Bilbao: Claes Oldenburg




jueves, 1 de noviembre de 2012

NOTICIAS


Los óleos que Sorolla pintó en su jardín llegan a su museo


  • El jardín de su casa de Madrid fue el último refugio del artista
  • La muestra se puede ver hasta el 5 de mayo en el Museo Sorolla




500 años de las pinturas de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina

Se cumplen 500 años desde que el genio Miguel Ángel se bajó de aquel aparatahe y pudo mirar hacía arriba y ver la eternidad. Hoy en un cumpleaños tan especial se debate sobre si se deben restringir las visitas a la capilla Sixtina, establecer un cupo, la última restauración fueen 1994 y ahora se estudia cambiar el sistema de ventilación y control de humedad para integrar seguir absorbiendo los 5 millones de visitantes cada año.

http://www.rtve.es/alacarta/videos/telediario/500-anos-pinturas-miguel-angel-capilla-sixtina/1567924/

31 oct 2012




Descubren en el Bierzo una cueva inédita con pinturas rupestres en "óptimo estado"


  • Hallan figuras antropomorfas y otros dibujos de estilo esquemático
  • Se realizaron entre el 4000 y el 2000 antes de Cristo


El “Retrato de caballero”, de Velázquez, se exhibe en Madrid


El Círculo de Bellas Artes muestra las ilustraciones de Francisco Bores para 'La siesta del fauno'

Son 73 dibujos que se realizaron para un libro que no llegó a terminarse 
Los dibujos y pinturas presentados fueron realizados en 1943 
Se ha creado un espacio sonoro ad hoc y composiciones de Adolfo Nuñez 
Desde este martes hasta el20 de enero de 2013



La técnica de Leonardo, revelada

La intervención preliminar a la restauración de "La Adoración de los Reyes" (1481), de Leonardo da Vinci, revela las fases artísticas de su proceso creativo: dibujo lineal e intensas pinceladas monocromas sobre las que luego aplicaba sus magistrales difuminaciones pictóricas.


El museo ruso del Hermitage abrirá una filial en Barcelona "en los próximos dos o tres años"


  • El anuncio lo ha hecho el Artur Mas ante la prensa española en Moscú
  • El Hermitage es una de las principales pinacotecas del mundo

miércoles, 17 de octubre de 2012

NOTICIAS

El Bellas Artes 'invita' a Frans Francken el Joven a exponer una de sus obras

La pieza ha sido cedida en depósito por un coleccionista particular de Las Arenas, identificado por Azkuna como Jorge Barandiarán, antiguo director del museo
http://www.elcorreo.com/vizcaya/v/20121017/cultura/bellas-artes-invita-frans-20121017.html

Dan el golpe en el museo de Rotterdam

Una banda asaltó de madrugada el Kunsthal holandés y logró un valioso botín de siete cuadros firmados por Matisse, Monet, Gauguin o Picasso

'El Puente de Waterloo, Londres', de Claude Monet.

http://www.elcorreo.com/vizcaya/v/20121017/cultura/golpe-museo-rotterdam-20121017.html

Roban obras de Picasso, Monet, Matisse, Gauguin y Freud en un museo holandés

"Cabeza de Arlequín", de Pablo Picasso,Los lienzos han sido sustraídos, según la policía, en una "operación bien planificada"El director del museo estima muy poco probable que los cuadros puedan ser vendidos


http://www.rtve.es/noticias/20121016/roban-obras-picasso-monet-matisse-gauguin-freud-museo-holandes/570542.shtml



La comunidad artística de Theaster Gates

El artista de Chicago expone en Londres tras dar mucho que hablar en dOCUMENTA(13)

http://www.elcultural.es/noticias/ARTE/3883/La_comunidad_artistica_de_Theaster_Gates


Un Quijote de vanguardia fiel a la tradición

La editorial Bolchiro publica una cuidada edición crítica de la obra de Cervantes en el nuevo formato digital EPUB3



http://www.elcultural.es/noticias/LETRAS/3885/Un_Quijote_de_vanguardia_fiel_a_la_tradicion


martes, 9 de octubre de 2012

FERNANDO BOTERO

Como ya os puse en la entrada del Museo de Bellas artes de Bilbao esta semana se ha iniciado la exposición de Botero con motivo de sus 80 años titulada "Celebración". De hecho, este fin de semana fue su inauguración con un notable éxito. El artista colombiano visito las salas que acogen su obra y se reunió con los Amigos del Museo haciendo de guía. Él mismo ha declarado a un rotativo autonómico lo que significa exponer por primera vez en el País Vasco. 

Como anticipo hace un mes se expuso a pie de calle, al igual que se hizo con varias de las obras de Antonio Lopez,  una de sus esculturas de gran tamaño a la que ha llamado "Caballo con bridas". Esta obra realizada en bronce pulido, tan solo es una muestra de la extensa vida artística de este pintor y escultor.  


Los comienzos de este artista tienen como origen Colombia, su país natal, en las salas de un fotógrafo que presento en Bogotá una exposición con 25 de sus obras. En ella había pequeños dibujos, acuarelas y óleos con los que cosecho un éxito modesto pero con buenas perspectivas. Poco después el mismo fotógrafo, Leo Matiz, volvió a exponer sus obras y esta vez tuvo un gran éxito vendiendo todos los trabajos mostrados. 


En esta etapa tan temprana tenía muchas influencias y sus creaciones tenían modelos tan diferentes que parecían hechas por diferente autores. Entres las fuentes de las que bebía estaba desde Gauguin hasta mexicanos como Diego de Rivera o Clemente Orozco. Sin embargo, este joven autodidacta no había visto obras originales por lo que sus conocimientos los obtuvo de los libros. 


En Medellín, ciudad donde nació, la modernidad se asomaba de forma tímida en la conciencia de algunos intelectuales con los que tomo contacto. Gracias a las charlas que mantenía con estos pensadores llegó a escribir "El inconformismo de Picasso en el arte" por el que le expulsaron de la escuela. Después de esto paso por la escuela de toreo por deseo de su tío pero prefería plasmar esa realidad en sus dibujos. Comenzó a vender sus dibujos y pronto se puso a trabajar para el diario "El Colombiano". 



A este periodo pertenecen obras como Mujer llorando  o sus Poemas Humanos con el motivo central de la protesta y el luto. Se refleja los sentimientos que tenían los artistas sudamericanos en aquella época pero, sobre todo, se ven las primeras ideas artísticas de este aún joven creador. 







Pero el arte o estilo que más fama le dio y por el que se encumbro como uno de los artistas latinoamérciano más importantes, es el conocido como boterismo, en donde representa diferentes temáticas en cuales aparecen figuras con un volumen exagerado. El propio artista declara "No pinto gordos; expreso el volumen como parte de la sensualidad" La verdad que a mi resulto curioso y me sorprendió esta declaración; entonces, ¿Por qué pinta estos denominados volúmenes?



Es sabido que tras esa primera etapa viajó a Europa, a la Barcelona de Gaudí y de un joven Picasso. Llegó a Madrid donde se inscribió en la Academia de San Fernando para estudiar pintura. Pero lo que le marcó, según el mismo declara, fue su viaje a Florencia en 1953. Allí se matriculo en la Academia di San Marco. "Siendo muy joven entré en contacto con la pintura florentina, que es muy volumétrica. Ellos fueron los que inventaron lo del volumen y el espacio en una superficie plana. Desde mis primeras obras siempre he tenido una atracción especial al volumen y me sigue atrayendo mucho. Sobre todo, admiro el Quattrocento"  Pese a la  revolución personal que le causo el arte renacentista no siempre cosecho éxitos por ser considerado demasiado clásico. 




A decir verdad, no solo las figuras humanas presentan una anatomía exaltada, todo lo que el refleja se ve muy corpóreo, platos, frutas...Deforma o transforma la realidad para expresar lo que quiere, al igual que han hecho otros grandes genios de la pintura como Giotto, Rubens, Rafael, El Greco o Picasso. Al igual que estos otros pintores Botero eleva la deformación a norma, con lo que la transforma en un estilo, el boterismo, antes mencionado. Según el, su objetivo no es la caricatura sino elevar la sensualidad de los cuadros. "Son figuras muy plenas,muy sensuales, también hay planos. Es una mezcla de ambas cosas para que sea una construida. Obviamente, mi obra tiene más curvas que la de los otros pintores"

Lo cierto es que las escenas que presenta pierden dramatismo o dureza. Con sus volúmenes no solo transforma las figuras si no que también transforma el mundo y la vida. Lo más llamativo para mi es que precisamente por reflejar un mundo lleno de grandes masas se despoja a las escenas de contenidos drásticos y aparecen como algo ligero. Los personajes parecen ausentes e independientes entre sí.  




En el mundo latinoamericano las figuras gordas se relacionan con el buen humor y la alegría. Aunque, hay autores que consideran que detrás de esta apariencia serena Botero intenta transmitir el espíritu de una sociedad marcada por las leyendas y mitos, en donde se tiende al derroche y a la desmesura; Desmesura heredada de la opulencia barroca, a pesar de que el propio autor desmientes la herencia llegando a declarar que su obra es centrípeta y una expresión de plenitud.

Por otro lado, Alberto Moravia considera que el hecho de representar estos grandes cuerpos no es tan solo un factor estético sino que también es un factor psicológico. En este mundo de formas tan rotundas, en teoría, se expresa lo lento y gordo que se ha vuelto el mundo, el sufrimiento. Para mi gusto son teorías válidas pero quizá un poco complicadas cuando el propio artista expresa su deseo de transmitir sensualidad. Puede que tan solo busque impactar al espectador para envolverlo en su particular mundo. 


En relación a la estética que usa, al margen de sus "gordos", toma importancia la búsqueda de la belleza basada en las líneas, en el color y en la composición. Composición y líneas que surgen de forma equilibrada dentro de la obra. Además no hay sombras para que no se manche el color porque para él, la belleza es ausencia de defectos. Una luz diurna irradia toda la obra lo que ayuda a dar más fuerza al color y con ello a los cuerpos. Su objetivo siempre es intentar conseguir una superficie homogénea y perfecta sinónimo de belleza.



Todo esto esta unido a una quietud más que evidente y suspendido en el tiempo, puede que por la luz, sus figuras o por los colores tan saturados. Seguramente lo congele todo para transmitir un sentimiento de infinitud que puede provenir de la escultura egipcia o de obras del renacimiento como del pintor Piero della Francesca. 


Pero independientemente de la explicaciones que se puedan dar a esta realidad artística, la verdad, es que cuando te acercas a su obra y escuchas a las personas que acuden a su exposición se oyen multitud de tímidas risitas acompañadas de susurros entre que los que se puede escuchar ¡mira que gordo! Y pese a que no innova en su temática ni en la técnica, quizá es esta controversia o la sorpresa que te causa su obra cuando te hayas frente a ella, la fuente de su éxito. Y como en mi caso te quedes toda la exposición buscando la respuesta a ¿Por qué pinta "gordos"? 











Noticia!!!


Se sortean los carteles de la exposición. Os dejo el enlace para que os apuntéis. Lo sortea el ayuntamiento y no tiene ningún costo. Son 45 carteles de gran tamaño, 1,18 x 1,75m. El plazo de inscripción concluye el día 1 de marzo y la resolución se publicará en la misma web el día 7 de marzo. 

https://www.bilbao.net/aytoonline/jsp/fbotero.jsp?idioma=c

domingo, 7 de octubre de 2012

TORRE IBERDROLA

La torre Iberdrola es un rascacielos de 165 metros de altura. Se comenzó en 2007 y se finalizó en 2011. Su arquitecto fue Cesar Pelli.

 

Este rascacielos es el segundo proyecto para esta zona, aunque ambos son de características muy similares. El primer proyecto estaba destinado para albergar las oficinas de la Diputación Foral de Bizkaia pero fue cancelado por su alto coste. 

El arquitecto para ambos proyectos es el mismo, Cesár Pelli especializado en arquitectura vertical y autor de otras construcciones como el de las Torres Petronas en Kuala Lumpur o la Torre de Cristal de Madrid. Este arquitecto nació en la provincia de Tcumán, Argentina. Estudió arquitectura y se graduó en la Universidad Nacional de Tucumán. 

Posteriormente comenzó a trabajar en su país hasta 1952 cuando se trasladó a los Estados Unidos donde tomó la nacionalidad estadounidense. Actualmente dirige el estudio Pelli-Clarke-Pelli. Antes de esto fue socio del despacho Eero Saarinen y posteriormente de Gruen Associates. En 1977 fundó su propio despacho. Además fue decano de Arquitectura de la Universidad de Yale entre 1977 y 1984. 
La obra, que este importante arquitecto ha realizado en Bilbao, transforma toda la zona en la que se sitúa. Se trata de una gran estructura con forma de triángulo isósceles, con los lados ligeramente curvos, de 41 plantas. En total son 165 metros de altura lo que permite contemplar esta torra desde cualquier lugar de la villa. Se ubica en la zona de Abandoibarra y esta dedicada a oficinas. Aunque la torre pertenece a la empresa Iberdorla vendió parte a la caja de ahorros BBK, por lo que el proyecto de instalar un hotel de la cadena Abba en las seis primeras plantas del rascacielos quedo cancelado. El resto del proyecto se llevo a cabo como estaba previsto, y la empresa eléctrica instalo su sede central aquí. 

El edificio es a día de hoy el más alto de la villa sobrepasando la Torre del Banco Bilbao Bizkaia situada en Abando junto a un centro comercial.  El conjunto esta rematado por un helipuerto, el primero ubicado en un edifico privado de la provincia. 
Es importante resaltar como dentro del rascacielos se exponen las obras de diferentes artistas vascos. En primer lugar, un enorme mural llamado "Natura Imaginis" del pintor Jesús María Lazkano. Este artista gipuzkoano, nacido en Vergara en 1960, es uno de los máximos exponentes de la pintura realista en País Vasco y en este mural recrea las raíces de la reserva natural de Urdaibai, donde actualmente vive y trabaja. Lo divide en seis partes en las que representa las estaciones del año. 



En el vestíbulo de la Torre se encuentra la escultura de Cristina Iglesias "Cúpula inclinada suspendida". Esta escultora y grabadora nació en San sebastián en 1956 y ha sido premio Nacional de artes plásticas y una de las primera artistas españolas más internacionales de las últimas décadas. Esta artista realiza unas celosías suspendidas del techo que tienen una luz artificial diseñada de tal forma que se proyecta el texto que contiene la obra en el suelo del vestíbulo. 



A estas obras hay que sumar los cuadros de Darío Urzay, "Paisaje Nocturno I y II", trabajos realizados sobra una base fotográfica. Este artista bilbaíno nacido en 1958  se centra en algo tan relacionado con la energía como es la luz y tomo como referencia la propia obra de Cesar Pelli. 



Más recientes son las obras de Txomin Badiola "Si la memoria no me traiciona 3 (entelequia)". Este importante escultor de Bilbao realiza una obra en donde mezcla diferentes materiales. A pocos metros la obra del pintor y grabador José Ramón Amondarain, ronovador del lenguaje pictórico de los últimos años, que expone "Stella Richter" un cuadro lleno de color dentro de otra obra. Asier Mendizábal también expone dos grandes piezas de madera que miran a las cristaleras del hall, clara referencia a la sostenibilidad y al respeto del medio ambiente, llamadas "Hard Edge" "Hard Edge #2" y "Hard Edge #3".

Antonio López visito la Torre, prestigioso pintor y escultor manchego, con la idea de pintar un lienzo que refleje el cambio que ha experimentado la ciudad. 

Hard Edge

Se trata de una muestra más de los grandes cambios y transformaciones que esta sufriendo la ciudad pasando de ser un centro industrial de referencia a una urbe cosmopolita. En ella se aúna el diseño con la practicidad unido al concepto artístico y turístico que ahora priman en la villa. Y la verdad ha sido un elemento tan admirado por su carácter imponente como criticado por sus enormes dimensiones, ya que algunos consideran innecesario un edificio así. En mi opinión tan solo es el reflejo del cambio del concepto de vida que se ha producido en la última década y aunque quizá yo no lo hubiese situado en donde esta, es cierto, que junto con el centro comercial, el Museo Guggenheim o las diferentes viviendas renuevan la zona de Abandoibarra. 
Os dejo una entrevista a Cesar Pelli y otro de la Torre.






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