Se trata de un blog de arte en el que cuento el mundo que nos rodea, la actualidad artística e intento resolver las dudas que se nos pueden presentar al contemplar cualquier obra de arte, artista o movimiento artístico. Os propongo desde un punto de vista subjetivo la realidad artística actual aunque intento dar información objetiva sobre los temas que planteo. Además incluyo vídeos, enlaces e imagenes para acompañar mis textos.
Este museo situado en la Avenida Abandoibarra es uno de los edificios más notorios de la villa. Con él, se inicio la total transformación y renovación, de la ciudad y de esta zona destinada a la industria naval.
Puente La Salve en construcción (1969)
Este singular edificio integra la ría de Bilbao con el Ensanche clásico de la ciudad. Rodeado por parques, paseos y plazas siendo evidente la superación de su pasado industrial. Tras diez años este singular espacio se ha consolidado como uno de los museos de arte contemporáneo más importantes a nivel internacional. Cuando este proyecto se inicio sorprendió no solo la ubicación de la arquitectura sino que también impacto la estructura ondulante de la misma. Fue a finales del S.XX cuando la fundación Solomon R. Guggenheim buscaba un nuevo emplazamiento para albergar su creciente colección. Finalmente se decidió realizar un museo en la ciudad de Bilbao, gracias al nuevo rumbo que tomo la villa que deseaba crear un importante enclave cultural. Tras un concurso, al que fueron invitados a participar otros arquitectos de la talla de Coop Himmelblau y Arata Isozaki, salió seleccionado el proyecto de Frank O. Gehry.
Fue un proceso largo y controvertido por las múltiples protestas por el cierre de Astilleros Euskalduna, que clausuro sus puertas cinco años después de que se iniciasen los planes para edificar el museo. Yo recuerdo como, al principio, no todo el mundo estaba a favor de los cambios tan drásticos que se estaban llevando a cabo, ya que, se tenían dudas sobre el futuro de la villa. Existía un recelo patente entre los ciudadanos sobre si realmente era posible pasar de ser un centro industrial a un enclave cultural y cosmopolita. Lo cierto es que era un cambio muy arriesgado pero que se ha materializado con muy buenos resultados, convirtiendo al Museo Guggenheim de Bilbao en una parte muy importante de la red de museos de la fundación. Además, este centro ha introducido a la ciudad y al País Vasco, dentro del circuito artístico mundial.
La verdad es que en un principio no se pensó en edificar bajo el colosal puente La Salve, sino que se consideró en reconvertir el antiguo almacén de vinos, la Alhóndiga. Pero este emplazamiento no convencía, sobre todo, a Thomas Krens, director de la fundación, quien visito el lugar. Con la intervención de Frank O. Ghery se cambió de concepto después de que éste encontrase los muelles a la vera del Nervión. Por si construir el museo a orillas de la ría no fuese suficiente, este nuevo emplazamiento dotaba al edificio de una ubicación perfecta, cerca del Museo Bellas Artes de Bilbao, la Ópera y de la Universidad.
Gehry hizo varios dibujos en los que ya trazo algunos de los elementos del actual edificio, como el lucernario cenital en forma de flor o la galería inspirada en el casco de un barco. De sus proyectos iniciales se conserva la fluidez y el movimiento continuo. En mi opinión, el diálogo con la ciudad, su convivencia, ha venido dado con el paso de los años, como si de un buen vino se tratase. En un principio el carácter de la urbe distaba mucho de ser nada remotamente parecido a la naturaleza del colosal edifico. Por ejemplo, pese a que los materiales que se han utilizado para su construcción si se usaban en la industria no se había aplicado jamás a una arquitectura, a un edificio de tales características. Las formas del museo, sinuosas, simulan a un barco pero no a todo el mundo gustó o entendía. Y sobre todo el arte que albergaba y alberga para muchos incomprensible. Este debate aún hoy día sigue abierto, llegando incluso al asalto de alguna de sus obras, muestra clara de la crítica que estas generan.
No obstante, obras como el metro de Norman Foster, la Torre Iberdorla de Cesar Pelli, el Palacio Euskalduna de Federico Soriano y Dolores Palacios, que se haya sobre los antiguos astilleros, la reforma de la Alhóndiga o Las Torres Isozaki han ayudado a la lenta pero increíble transformación que hace que el museo encaje y fluya con gran dinamismo.
Pero al margen esta magnifica obra de ingeniería el museo desde sus comienzos tiene como objetivo la formación de una colección propia. Creo que es una de las cosas sobre de las que pocas veces se habla, seguramente porque queda ensombrecida por el propio recinto. Actualmente esta colección cuenta con 91 obras de artistas internacionales y vascos. Se comenzó con la obra sin titulo de Rothko (1952-3) que se une a otros pintores del expresionismo abstracto como Willem Kooning, Robert Motherwell o Clyfford Still. Una de las últimas adquisiciones ha sido un a obra de Cy Towmbly Nueve discursos sobre Cómodo (1963), considerada como la obra culminante de los primeros años de su exilio autoimpuesto. Estos fondos también cuentan con obras de artistas españoles como Tapiés o Antonio Saura. Otros artistas de la talla de Robert Rauschenberg, Andy Waehol, James Rosenquist e Yves kelin son parte de esta variada colección. La gran diversidad de movimientos y artistas que conforman este fondo artístico le dotan de un carácter especial y hacen que aquellos que acuden al museo accedan a una magnifica representación del arte de nuestro tiempo. Creo que estas obras, muchas a pie de calle, ofrecen la oportunidad de poder acercarnos al arte contemporáneo de una forma diferente, la verdad es que se trata de un etapa artística muy discutida y llena de controversia; Controversia dada, en mi opinión, por la falta de información y de cercanía con el público.
Louise Bourgeois (Nacido en 1911, París)
Se expone en el exterior una de sus obras tituladas Mamá de 1999 fundido en 2001, Bronce, ácero inoxidable y mármol. Se trata de una escultura de grandes dimensiones situada en el paseo que te permite pasar por debajo de ella, haciendo que te sentientas muy pequeño e incluso algo asfixiado. Y es que sus obras desde principio están teñidas por experiencias autobiográficas llenas de resentimiento y nostalgia. En este caso homenajea a su madre y expone la duplicidad de la maternidad, que por un lado teje seda para sus capullos y por el otro la teje para cazar a sus presas. Sus patas atrapan y protegen sus huevos y a los viandantes que pasean. Jeff Koons (Nacido en 1955, York USA)
Esta obra al igual que la de Bourgeios se haya en el exterior del recinto. En este caso, nos da la bienvenida al museo y nos enseña una pequeña muestra de lo que encontraremos en su interior. Yo recuerdo como, en un principio, el mero hecho de pensar que en Bilbao, una ciudad tradicionalmente industrial donde el concepto del arte se centraba en lo que se podía visionar en el Museo Bellas artes, se podía colocar a pie de calle un gigantesco perro de flores era inimaginable, resultaba algo casi ridículo. Finalmente, al igual que ha ocurrido con la Torre Eiffel, se ha convertido junto con el museo en una seña de identidad para la ciudad. El propósito de este artista es comunicarse con el gran público para lo que se basa en el lenguaje visual de la publicidad, marketing y la industria del ocio. Con este enorme West Highland Terrier , además busca suscitar optimismo e infundir "confianza y seguridad, como el mismo afirma.
Esta misma idea la desea transmitir con otra obra que se encuentra en la "terraza" del museo, titulada Tulipanes. Se trata de un matojo de siete tulipanes de diferentes colores luminiscentes concebidos a modo de globos gigantes. Ambas piezas nos adentran en un mundo fantasioso dando muestra de la capacidad que tiene este artista para transformar los objetos más banales en un instrumento de crítica sobre la función del arte dentro de la cultura de consumo, mezclando ironía y sinceridad.
Anselm Kiefer(Nacido en Donaueschingen, Alemania en 1945)
De este artista nació unos meses antes de que finalizase la segunda guerra mundial por lo que creció viendo las consecuencias del mayor conflicto bélico que ha vivido la humanidad. Vivió en una nación dividida y controlada por las fuerzas aliadas. El objeto de estudio de Keifer se centraba en descubrir como se componen y desarrollan los diferentes elementos de la mitología, de la historia de Alemanía y su incidencia en el auge del fascismo. Se enfrento a estas cuestiones rompiendo las fronteras estéticas que existían y recuperando viejos iconos. Realiza obras de gran formato cargadas de referencias a la tradición del Romanticismo Alemán y al legado político de su país. Usa una paleta casi monocroma combinada con una técnica mixta, en la que incluye elementos como el plomo, paja, yeso semillas, ceniza o tierra. Tras la caída del muro de Berlín, en 1989, se instalo en el sur de Francia donde comenzó a explorar temas más universales. Aunque siguió centrándose en la religión, la política y la historia se centro más en captar la espiritualidad del ser humano y el funcionamiento de nuestra mente. En esta ocasión el museo adquirió "Las celebres órdenes de la noche" de 1997 y "Berenice" de 1989. Para mi la primera obra resulta muy impactante. En ella contrapone la inmensidad del universo frente a la condición humana y a su vez quizá haga referencia a capacidad infinita que tiene la mente humana pero también a su inherente limitación, subordinada a un cuerpo perecedero e imperfecto.
Se trata de uno de los principales representantes del expresionismo abstracto americano. Este movimiento se centra en expresar la personalidad del artista por medio de su obra. Fue Robert Coates quien acuño el término "expresionismo abstracto". Dentro de este grupo, del que también son parte otros pintores como Pollock o Franz Kline, se desarrollaron una serie de técnicas nuevas, como por ejemplo "action painting" o el "color field painting" del que Rothko hace uso en sus obras más famosas incluyendo esta obra sin título. Mediante franjas o campos de color aplicadas con veladuras nos expresa la universalidad de las aspiraciones humanas, un mensaje de tipo universal que dota a su pintura un carácter místico. El color ocupa toda la superficie en una especie de Horror vacui, lo inunda todo. Estuve pensando y creo que seria interesante comentar que no siempre fue un creador abstracto.La verdad es que tendemos a pensar que un pintor no sabe dibujar por centrar su arte en la abstracción pero no es así. En su primera etapa pinto escenas figurativas, por lo general escenas urbanas. Entre 1940 y 1945 tuvo una etapa surrealista en la que se influencia del arte de Matta, Ernst, Tanguy o Miró. Entonces plasmaba figuras biomórficas que poco a poco son menos reconocibles. Por lo que queda claro que hay una evolución en su producción y quería, me parece interesante, que se conozcan estas etapas. http://www.guggenheim-bilbao.es/exposiciones/mark-rothko-paredes-de-luz/
Entrada de metro (1938)
Miquel Barcelo (1957)
El diluvio (Le Déluge), 1990
Técnica mixta sobre lienzo
230 x 285 cm
Guggenheim Bilbao Museoa
Artista español con una proyección internacional. Su trabajo se reparte entre París, Mallorca o Malí. Su característica principal se centra en reinterpretar temas tradicionales con aspectos autobiográficos en soportes de gran formato. Busca la innovación por medio de la experimentación y el estudio de formas, colores, luz o composición, entre otras cosas. Su estancia en Malí influye directamente en su obra dotándola de un sentido casi místico. Poco a poco en su evolución sus temas comenzaron a ser mas sencillos, centrándose en la vida la muerte y la luz. Son obras con una fuerte materica, sobre todo, en sus comienzos. Aunque no se aprecia son muy ricas en cuanto a las texturas que nos transmite sensación de movimiento, continuidad o caos. Los colores que usa no son vivos como podemos ver en alguna de las vanguardias. Siendo un poco crítica y pese a ser un artista importante no es de los que mas me puede atraer aún así y como en todo hay obras más interesantes que otras como El Diluvio. En este caso muestra el caos y la fuerza de la naturaleza colocando un telón sobre ella que nos esconde pero a la vez nos da una pista de lo que contemplamos. En contraposición el sol frente a los azules que inundan el lienzo. Una obra interesante como ya os dije pero es tan solo mi opinión como siempre hay que observar y juzgar cada uno de nosotros.
Macho cabrío y cabra (Cabrit i cabrida), 1992
Técnica mixta sobre lienzo
297 x 246 cm
Guggenheim Bilbao Museoa Donación de Bruno Bischofberger, Zúrich
En México se inaugura la exposición " La liturgia de las palabras""
En México, acaban de inaugurar la exposición "La liturgia de las palabras", del escultor burgalés Alberto Bañuelos. Una muestra única porque es la primera vez que el museo de Antropología de la capital mexicana abre sus puertas a un artista europeo. La piedra, el mármol o el granito sirven a Bañuelos para crear unas obras sorprenden por sus similitudes con las culturas mesoamericanas.
En México se inaugura la exposición "La liturgia de las palabras"
Una ambiciosa retrospectiva recupera el talento y la sensibilidad de la artista cántabra, una de las grandes figuras de la vanguardia de comienzos del siglo XX. La muestra podrá verse en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, hasta el 25 de febrero de 2013.
500 años de las pinturas de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina
Se cumplen 500 años desde que el genio Miguel Ángel se bajó de aquel aparatahe y pudo mirar hacía arriba y ver la eternidad. Hoy en un cumpleaños tan especial se debate sobre si se deben restringir las visitas a la capilla Sixtina, establecer un cupo, la última restauración fueen 1994 y ahora se estudia cambiar el sistema de ventilación y control de humedad para integrar seguir absorbiendo los 5 millones de visitantes cada año. http://www.rtve.es/alacarta/videos/telediario/500-anos-pinturas-miguel-angel-capilla-sixtina/1567924/
31 oct 2012
500 años de las pinturas de Miguel Ángel en la Capilla Sixtina
El Círculo de Bellas Artes muestra las ilustraciones de Francisco Bores para 'La siesta del fauno'
Son 73 dibujos que se realizaron para un libro que no llegó a terminarse Los dibujos y pinturas presentados fueron realizados en 1943 Se ha creado un espacio sonoro ad hoc y composiciones de Adolfo Nuñez Desde este martes hasta el20 de enero de 2013
La intervención preliminar a la restauración de "La Adoración de los Reyes" (1481), de Leonardo da Vinci, revela las fases artísticas de su proceso creativo: dibujo lineal e intensas pinceladas monocromas sobre las que luego aplicaba sus magistrales difuminaciones pictóricas.
Gauguin y el viaje a lo exótico
