miércoles, 18 de marzo de 2015

FACEBOOK Y LA RADIO

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¡Más noticias sobre nosotras! La semana pasada participamos por primera vez en un programa de radio. Ha sido una gran  y muy divertida experiencia. Hemos tenido la suerte de ser entrevistadas por el programa Las Feutxas. Durante la transmisión, hemos  hablado sobre arte y  sobre la situación de las mujeres en el mercado artístico actual ya sea como artistas o como trabajadoras culturales. También hemos hablado de nuestros intereses y nos han hecho un breve y divertido test. Os dejo el enlace para que podáis escuchar la entrevista espero que os guste: Las Feutxas

Después de la entrevista



lunes, 16 de marzo de 2015

HEPWORTH, BARBARA. Single Form

Hoy se estrena en el blog una amiga y compañera Olatz Cortes. En esta ocasión seguimos en el arte contemporáneo pero en el apartado de Mujeres artistas. Olatz para su estreno ha decidido presentarnos a Barbara Heptworth. Aquí os dejo su primera, espero que de muchas, entrada.

La obra seleccionada es la escultura Single Form (Forma sencilla) realizada  por Barbara Hepworth (1903-1975) entre 1962 y 63 en homenaje a su amigo Dag Hammarskjöld, secretario general de las Naciones Unidas.  Hacia 1961 Hammarkjöld muere y la Fundación Jacob y Hilda Blaustein encarga a Hepworth este monumento conmemorativo que será colocado en la Plaza de las Naciones Unidas de Nueva York, como podemos ver hoy día.



La trayectoria artística de Hepworth acumula una gran cantidad de obras, todas ellas de gran interés, pero, se ha optado por esta por lo siguiente: Es la escultura de mayor tamaño creada  por esta artista,  responde a su comisión pública más importante y al ser una obra de su madurez  refleja muy bien todo lo que quería expresar a través de la abstracción. Es sorprendente que en un lugar tan importante como la Plaza de Naciones Unidad de Nueva York este situada la obra de una mujer, ya que son en los 60 cuando comienza esa lucha interminable de la mujer artista por hacerse visible en el mundo del arte totalmente dominado por el hombre. La monumentalidad que presenta la obra es también  importante por el hecho de que jamás se le atribuiría ha una mujer esa característica. Las grandes dimensiones siempre se han  identificado con el género masculino cuestionando la capacidad de una mujer a la hora de crear algo con gran tamaño.

Destacamos que Hepworth nace y desarrolla su labor artística en Gran Bretaña. Por eso mismo, la vinculamos con la nueva generación de escultores británicos de los últimos años de la década de 1920, junto artistas como Henry Moore y John Skeaping.  Fue Moore quien le enseño y le influencio en sus primeras producciones artísticas: formas orgánicas que representaban la figura humana. También fueron Jean Arp y Brancusi los primeros referentes de la escultora. En sí, la escultora bebe un poco de las vanguardias que le interesan creando su propio lenguaje.

La obra a tratar no la podríamos situar en un estilo concreto pero el lenguaje que presenta es familiar a  los términos del cubismo, constructivismo y abstracción formal.  De hecho, Hepworth a partir de 1930 junto con  Ben Nicholson, formo parte de los debates artísticos que las vanguardias internacionales desarrollaron en Paris, conoció a Piet Mondrian, Auguste Herbin, Alberto Giacometti, Wassilli Kandyski, P. Picasso y Georges Braque entre otros.


En cuanto a Single Form, es una pieza única, monumental, de forma sencilla, que presenta una perforación circular en un lado de la parte superior y se sujeta sobre sí misma. Es decir, que la pieza llega hasta el suelo como ya lo hacían las esculturas de Brancusi. 

Estamos ante una fundición en bronce. Es más, a partir de 1956 la autora comienza a trabajar el bronce por las posibilidades que le ofrece el material y porque es consciente de que la generación de jóvenes artistas también utiliza este tipo de materiales.

Aun así, Hepworth se caracteriza por la utilización de materiales tradicionales, como la madera, la piedra…Y para trabajarlos la técnica que lleva a cabo es la talla directa.  Le interesa el contacto directo con la escultura porque de alguna manera quiere crear un espacio íntimo entre las construcciones, quiere crear una experiencia, quiere encontrar un ritmo e incluso exactitud matemática. Por eso que sus piezas siempre muestren un acabado perfecto. A pesar de que en esta pieza utilice el bronce estamos ante una obra totalmente acabada. Es más, no renuncia a la talla, ya que son visibles unas pequeñas marcas en todo el cuerpo escultórico. De esta manera, crea una superficie rugosa.


Para elaborar este tipo de esculturas Hepworth siempre parte de la naturaleza. Esto nos recuerda al cubismo o al neoplasticismo de Piet Mondrian. El paisaje deja de ser una forma figurativa  para convertirte en una abstracción. Por lo tanto, estamos ante una síntesis de las formas. Aunque la autora, no busca formas ideales de la naturaleza sino ideas desde la misma, creando su propia experiencia de paisaje.

Relacionado con la naturaleza y el ser humano a Hepworth le interesa el mito de componentes pseudomagicos y pseudorreliogos a través de monumentos ancestrales pétreos neolíticos como los Stonehenge. En sus piezas al igual que en Single Form, siempre podemos encontrar referencias prehistóricas de Stonehenge, de dólmenes o menhires de Cornualles, donde se traslado a partir de 1931, así como los, cantos rodados de la playa o del rio.



En este caso, la referencia directa podría ser los Mênan- tol de Cornualles, que también presenta una perforación en la piedra. La perforación en las esculturas es otras de las cualidades de la obra de Hepworth. Fue unas de las primeras que realizo el agujero y lo hizo dos años antes que Moore. La artista escribe en sus notas  que tenia la necesidad de obtener una forma y un espacio abstracto a través del agujero[1]. El vacio se vuelve un elemento más que compone la escultura y es tan importante como la masa. Ya que, introduce luz y aire creando un espacio interior de la construcción. La luz[2], según la autora juega un papel fundamental porque con el movimiento del sol  el aspecto de la escultura esta en continuo cambio. Por eso mismo, prefiere que sus obras estén expuestas al aire libre.

Habría que mencionar que  la artista ya había realizado piezas similares a esta y que todas ellas responden al desarrollo de Hepworth  en la  representación del torso humano. Como ya se ha citado, las primeras obras de la artista están relacionadas con la figura humana, sentada o de pie. En estas refleja su inclinación por las culturas no occidentales, Sumeria, Egipto y como no, la cultura cicládica paleolítica. No es de extrañar, ya que era un interés común entre los artistas de la vanguardia. 

Finalmente, se podría deducir y en una visión totalmente subjetiva que Hepworth al extraer la materia se remite a significados ancestrales y cósmicos, como parece que lo hacen las piedras del neolítico. Es decir, que de alguna manera su abstracción supera lo terrenal.




[1]  AA.VV. Barbara Hepworth (pag.36)
[2] Ibid (pag.136)

Os dejo como siempre un pequeño vídeo de la artista y el enlace de su página web,  http://barbarahepworth.org.uk/commissions/list/single-form.html



domingo, 15 de marzo de 2015

NUEVE DISCURSOS SOBRE CÓMODO (NICE DISCOURSES ON COMMODUS) CY TWOMBLY

En este caso sigo hablando de abstracción pero es totalmente diferente a la instalación de Wolfagang Laib en el MoMa. Os dejo el enlace para que podáis apreciar la diferencia, Pollen from hazelnut, Wolfgang Laib.

Hoy os presento una pieza que forma parte de la colección del museo Guggenheim Bilbao, se trata de un óleo formado por nueve partes en los que mediante la abstracción Twombly narra una historia de la mitología clásica. Tradicionalmente se ha considerado que este tipo de abstracción no refleja historias que puedan tener un contenido político, es más, se consideraba por algunos críticos de arte como Greenberg que este tipo de abstracción estaba ligada a la pureza del arte. Precisamente por su contenido político alejado de la idea de un arte como medio de liberación interior del artista, esta obra me parece muy interesante.




Estos lienzos están relacionados con el Expresionismo Abstracto americano. Este estilo Twombly lo desarrolló a mediados de la década de 1950. A finales de esta década Twombly se trasladó a Roma y como consecuencia de este viaje, realizó esta serie mediante la cual mostraba su interés por la historia de Italia, su mitología y literatura. Asimismo, expresaba su angustia personal y la situación política internacional.

El punto de partida del Expresionismo Abstracto fue la exposición organizada por Peggy Guggenheim en 1945 en su galería. El nombre de expresionismo se debe al crítico Robert Coates que lo uso para describir el arte que se estaba llevando cabo en aquellos años en Nueva York. Se trata de una pintura de notable intensidad plástica y mucho más directa e inmediata que la abstracción europea. Tradicionalmente se decía  que recogía el automatismo surrealista y la abstracción. Tuvo grandes críticas por parte de los estudiosos de aquel momento y hoy en día  se sabe que existieron ciertos intereses políticos para que el expresionismo abstracto se consagrase en el panorama artístico de aquel momento en Estados Unidos, por lo que esta tendencia plástica se transformó en una operación de estado. 

Tened en cuenta que tras la Segunda Guerra Mundial el objetivo de Estados Unidos era convertirse en la primera potencia del mundo y su gran oponente en todos los sentidos, era la URRS.  Pensaron que debían dirigir la cultura del mundo y es por este motivo nació en los años 30 Federal Art Project. En este programa se fichaban artistas con un cierto talento artístico y se les encargaban la decoración de edificios públicos. De este modo se daba a conocer a artistas emergentes y así cimentaban sus futuras carreras. A partir de este proyecto inicial Estados Unidos pasó a ser el centro del arte contemporáneo, volcando todo su interés en lograr obtener el tan ansiado liderazgo del mundo en todos los aspectos. 

Centrando el tema, a diferencia de la liberación del yo interior que realizada Kandinsky lleno de optimismo, los expresionistas americanos se dejaban llevar por un sentimiento pesimista y de alguna forma estaban ligados al existencialismo.  

En cuanto a la pieza es sabido que ya en la década de 1960, las pinturas de Twombly adquirieron un tono más sombrío y angustiado. En este caso dicho pesimismo nace por una serie de asesinatos que hubo en aquellas fechas, como el de John F. Kennedy en 1963. Además, la situación política internacional, como consecuencia de la Guerra Fría, se tornó mucho más tensa tras la crisis de los misiles en Cuba. Por consiguiente, esta pieza se puede traducir como un resumen de toda la tensión socio política que se vivió en aquellos momentos a nivel internacional y como la expresión de la propia angustia del artista. En esta serie Twombly, reflejó mediante unos simples trazos, la crueldad, locura y el asesinato del emperador romano Aurelio Cómodo en el siglo II D.C. el cual probablemente Twombly relacionó con lo anteriormente mencionado.

La serie fue expuesta por primera vez en marzo de 1964 en la Galería Leo Castelli de Nueva York. Debido a que en aquellos momentos la herencia del expresionismo abstracto se estaba poniendo en duda y que las tendencias en boga en aquellos años eran el Minimal Art y el Pop art, los óleos de Twombly recibieron duras críticas. De hecho, no vendió ninguna pieza en aquella exposición siendo devueltos todos los lienzos a Italia lo que propició un cambio en la producción del artista iniciando su serie de Pinturas grises. Tal fue el rechazo que padeció la obra que no volvió a ser expuesta hasta finales de los años 70 durante la retrospectiva que el Whitney Museum of American Art realizó en torno a la figura de este artista.

En el aspecto formal esta claro como la oposición y la tensión dominan las piezas. Cada óleo tiene como base un fondo gris, que alude a un espacio negativo, y gira en torno a dos espirales. Existe una clara una narración entre los distintos componentes de este ciclo que culmina con el último panel. Por otro lado, a pesar del aparente caos, existe una estructura muy pensada y controlada. El cuadro se ordena precisamente gracias a la línea que recorre la mitad de cada pintura y que subdivide la composición. Es más, muchas de las pinturas de la serie presentan secuencias numéricas que suelen articular las cuadrículas, gráficos y ejes geométricos que forman el esqueleto de las pinturas. 


Tras muchos años la obra se ha liberado de las críticas y parece que ha adquirido una fuerte fama llegando a formar parte de la colección del Guggenheim Bilbao.  Personalmente me parece una obra que resume de una forma concisa y precisa el drama de la posguerra, las tensiones políticas de la Guerra Fría y los atentados contra celebridades del momento. Actos que impactaron a la sociedad y que quizá en el arte que se desarrollaba en aquel momento no siempre quedaba reflejado. Asimismo, es posible que reabra de forma tímida el debate que tuvo lugar a finales de lo años 50 en torno la herencia que dejaba el expresionismo americano y la cuestión de si se debía volver a la figuración o no. Creo que esta serie es un claro ejemplo de que probablemente no era del todo necesario ya que se muestra como un claro ejemplo de una abstracción con contenido, alejada de la creencia popular y que logra comunicar ideas de calado internacional. 

Os dejo el enlace de la página del museo Guggenheim Cy Twombly y como siempre un vídeo, en este caso de una exposición que se celebró en el centro.



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